Comenzamos pensando en una región del mundo que desconocíamos, una que nos queda muy cerca y muy lejos a la vez. Viajamos, leímos, preguntamos y escuchamos. Sabíamos que queríamos hacer un libro para compartir lo que fuimos aprendiendo y una obra de teatro sobre nuestro encuentro con ese territorio.
Pero todo tomó un rumbo inesperado cuando conocimos a M—— y nos pidió que le hiciéramos un favor dentro del país que la vio nacer, en el que vivió siempre y al cual ahora no puede volver.

Sobre el proyecto

Centroamérica es un proyecto de investigación artística sobre la región de América Central, es una obra de teatro y una publicación.

Buscamos aproximarnos a una región a la que México históricamente ha dado la espalda.
La publicación será el resultado de nuestro acercamiento a la historia de esta parte del continente y la puesta en escena un acercamiento al presente de la región, a través de nuestra experiencia allá.

América Central es una región de la que en México sabemos poco, no forma parte de nuestro imaginario, ni de nuestras fantasías. Un conjunto de siete países, una denominación, una intención poética, un estigma. Somos vecinos distantes, porque en México miramos al norte, siempre al norte. 

Ficha artística

Actuación y coordinación: Luisa Pardo y Lázaro G. Rodríguez
Diseño de espacio y luz: Sergio López Vigueras
Diseño y realización de telones: Pedro Pizarro
Asistencia de dirección: Macaria Reyes
Asistencia general: Janet Vázquez y Manu Guerrero
Imagen de cartel: Cecilia Porras Saénz
“María”: Ella fuerte
Imagenes de archivo: Filmoteca de la UNAM

Imágenes de Nicaragua 2018: Rafael Camacho y Chilly Smit
Testimonios: Dora María Téllez, Gabriela Selser, Rafael Camacho y hombres y mujeres nicaragüenses exiliadas que han contado sus historias pero no pueden ser nombradas por cuestiones de seguridad.

Una producción de Lagartijas Tiradas al Sol con la colaboración de Centro Cultural España en México, Teatro Casa de la Paz, UAM. Théâtre Joliette y Théâtre de Lenche, Marseille, y Pontificia universidad Católica del Perú.

Obra de investigación escénica que explora las migraciones, las fronteras y los sueños de transformación que atraviesan Centroamérica.

Añadir al calendario

La Fiesta Escénica de Quito 2026 celebra diez años de consolidar un ecosistema artístico que forma y entretiene a la ciudadanía a través de las artes escénicas, sus procesos de investigación, creación y trabajo comunitario. Sigue el hilo de esta edición, que se desarrollará del 20 de mayo al 15 de junio. 

Laboratorio de Archivos y Edición es un proyecto de la editora y artista Gabriela Halac en colaboración con el FIEQ 2026 que podrá visitarse a partir del 4 de junio en la terraza del Teatro Sucre.  

Las artes escénicas nos hacen vulnerables a otros cuerpos, a otros imaginarios y poéticas y a otros modos de vivir. Estas obras  que nos afectan no son existencias dadas, sino el resultado de procesos que involucran energías, políticas, técnicas, materiales,  investigaciones y comunidades. Laboratorio de Archivos se propone  acceder a las capas subterráneas de las obras que vemos en el FIEQ a partir de archivos producidos con la colaboración de cada colectivo de artistas. Nos dimos a la tarea de recolectar y escarbar en aquello que suponemos que existe, pero no podemos conocer a simple vista, en palabras de Rodrigo Parrini “como los huesos de un cuerpo o el interior de un objeto”.  

El acto de construir archivos implica abandonar la idea de la pieza cerrada para hurgar en los intersticios de los procesos, y enfrentarnos al poder de hallazgos inesperados “donde la ceniza no se ha enfriado” y por tanto “puede volver a encender una llama”. 

Archivar la escena contemporánea es emprender una recolección de documentos no susceptible de completarse como colección pero que encienden la conversación para formular nuevas preguntas.  

¿Cómo se archiva lo vivo?, ¿cuántas cosas han sucedido para que la obra que vemos haya podido estar aquí?, ¿qué obsesiones guarda el proceso?, ¿cuál es el límite entre el documento y la obra?, ¿cuáles son los gestos que podemos reconocer en los procesos de trabajo artístico?, ¿qué joyas se esconden en las bitácoras de los artistas?, Cada documento alberga un gesto de búsqueda al mismo tiempo que es una donación a una causa sin objetivos claros.  El desafío es lograr que el archivo no sea un vestigio de algo que ya no existe, si no una semilla que permite conectarnos con una vida futura.  

Sobre Gabriela Halac

Es artista del libro, escritora y editora. En 2002 fundó el espacio de producción, formación e investigación artística DocumentA/Escénica.  

Gabriela Halac se sitúa en el campo de la lectura-escritura como materialidad, performance e instalación. Sus propuestas se desarrollan en el tiempo extendido de los dispositivos relacionales, la generación de diálogos, la invención de archivos, el acopio de colecciones y se desplaza hacia narraciones instalativas. Sus proyectos son expuestos en museos, espacios de memoria y centros de investigación artística de Argentina y México. Es autora de libros y dispositivos editoriales expandidos.  Autora de Visitas a La Perla, La biblioteca roja, El libro agotado, ¿Qué es un libro contemporáneo?, Páginas en negro, entre otros. Es fundadora y lleva adelante desde 2003 el laboratorio editorial Ediciones DocumentA, un proyecto enfocado a la edición como práctica artística contemporánea, donde ha editado libros propios y de otros artistas. Ha realizado residencias editoriales y producido su propio campo de experimentación, tanto en la producción de publicaciones como en la circulación y puesta en escena de las mismas.  

Gabriela Halac y FIEQ 2026 inauguran un laboratorio de archivos el 4 de junio.

Este es un estreno mundial de Sergio Blanco y Maricel Álvarez.

La Fundación Teatro Nacional Sucre, en el marco de la Fiesta Escénica de Quito 2026, invitó a artistas, estudiantes y personas vinculadas a las artes escénicas a participar en la Residencia de Formación Artística “Las flores del mal”.

Esta experiencia intensiva acompañará de cerca el proceso de ensayos y creación de la obra Las flores del mal o la celebración de la violencia, permitiendo a las y los participantes integrarse al trabajo creativo a través de la observación, la práctica y el intercambio directo con el equipo artístico.

Monólogo en formato de conferencia que reflexiona sobre la violencia y la literatura a partir de una puesta en escena minimalista y profundamente impactante.

El Brote

Por: Compañía Criolla (Argentina)
Público sugerido: +16 años

A un actor se le comienzan a desdibujar los límites entre la ficción y la realidad y ahora desconfía de quien escribe los acontecimientos de su vida ¿Qué clase de personaje somos en esta historia?

El nuevo espectáculo de la Compañía Criolla fue estrenado el 13 de febrero de 2023 en el Teatro del Pueblo de la Ciudad de Buenos Aires, Argentina, con una gran recepción por parte de la crítica y el público.

Ficha artística

Dramaturgia: Emiliano Dionisi
Interpretación: Roberto Peloni
Diseño de escenografía: Micaela Sleigh
Diseño de iluminación: Agnese Lozupone
Diseño sonoro: Martin Rodríguez
Fotografía: Luis Ezcurra
Diseño de portada: Roberto Peloni
Diseño gráfico: Nahuel Lamoglia
Asistencia de dirección: Juan José Barocelli
Producción artística: Sebastián Ezcurra
Producción general: Compañía Criolla
Dirección: Emiliano Dionisi

Compañía Criolla

Fundada en 2009, es una de las compañías teatrales más proliferas y reconocidas de la última década. Entre sus espectáculos se destacan: Sueño, Recuerdos a la hora de la siesta, Cyrano de más acá, Los Monstruos, El apego y Romeo y Julieta de bolsillo,  recibiendo múltiples premios y distinciones nacionales e internacionales. Participa en decenas de eventos culturales tales como festivales, congresos, ferias de arte y ciclos oficiales.

Obra para mentes inquietas que explora los límites de la ficción y la realidad. Un actor que comienza a desconfiar de su propia historia.

Lecturas en movimiento es el resultado de un viaje de exploración y creación colectiva. Nacido del Laboratorio de Escritura Creativa —desarrollado durante el intersemestre de la Carrera de Artes Escénicas de la FAUCE (UCE) en convenio con la FTNS—, este espacio impulsó a jóvenes talentos a sumergirse en la escritura dramática.

De esta intensa experiencia surgen cinco voces emergentes que hoy toman la palabra en el FIEQ 2026. A través de una lectura dramática, nos invitan a transitar por historias vibrantes, íntimas y universales que demuestran que la dramaturgia nacional está más viva y en movimiento que nunca.

Estudiantes Participantes:

Gabriela Morales – «Cuando el motor falla»
Ismael Gallegos – «El Café»
Maitte Barba – «Tardes de té»
Yudy Vacancela – «Tierra y lodo»
Josue Paredes – «Placerete»

Dirección del proyecto: Eduardo Hinojosa.

Cinco voces de la FAUCE rompen el papel: lecturas dramáticas cargadas de movimiento, fuerza y emoción.

La entrada será mediante donación, que se receptará en el teatro donde se presentará la obra.

Materiales para donar: lanas, agujas, telas, hilos, cuerdas, pinturas, goma, hulas de colores, platos de colores o vasos reutilizables.

Además, en el lugar podrán adquirir kits de donación elaborados por vecinos de la zona, con valores entre $1 y $5.

𝐀𝐂𝐂𝐄𝐒𝐎 𝐂𝐎𝐍 𝐃𝐎𝐍𝐀𝐂𝐈𝐎́𝐍) Un ritual escénico para volver a mirar hacia adentro.

Entre flores, música ancestral y memorias sagradas, esta obra recorre el despertar espiritual como un camino de contemplación y renacimiento.

Inspirada en la danza butoh de los Andes, la pieza transforma el movimiento en una experiencia de reconexión con lo esencial.

Una experiencia escénica atravesada por la fragilidad, la memoria y la luz.

Teatro Variedades

Martes, 26 de mayo

19h00

Ingreso con donación para apoyar La Plaza y su Territorio.

Aporta con lana, agujas, telas, hilos, cuerdas, pinturas, goma, hulas de colores, platos de colores o vasos reutilizables.

También podrás adquirir kits preparados por vecinxs del Centro Histórico.

Revisa la programación en teatrosucre.com y sigue el hilo.

El Conejo de Schrödinger es una obra de Teatro danza que sigue a un astronauta perdido en su propio viaje. En su travesía aparece Harvey, un conejo gigante que lo acompaña entre cajas, luces y silencio. Juntos atraviesan distintos mundos donde los sueños toman forma y la realidad se disuelve como un recuerdo. La obra propone una mirada sobre lo humano desde la imaginación: un universo hecho a mano, donde cada gesto y cada palabra son fragmentos de un sueño que intenta no apagarse.

Teoría general del conejo y otros sueños persistentes
El Conejo de Schrödinger nace del encuentro entre un astronauta y un conejo. Uno busca sentido en el vacío, el otro lo empuja a mirar más allá. A partir de esa relación se abre un viaje por distintos lenguajes escénicos: el documental, el videojuego, el título, la danza. Cada escena revela una capa del mismo sueño, una memoria que insiste en no desaparecer. La obra se construye como un espacio suspendido, hecho de materiales simples: cajas de cartón, estrellas, voces y gestos. Todo parece frágil, pero cada elemento contiene un pulso vital. En ese entorno el astronauta busca comprender qué queda de los sueños cuando dejamos de soñarlos, y si acaso es posible regresar a la Tierra después de haber habitado el infinito. El Conejo de Schrödinger propone un tiempo donde pensar y sentir se confunden. No intenta responder, sino mantener abierta la pregunta sobre lo que imaginamos, recordamos o tememos perder. El universo, aquí, se parece a la mente de un niño que juega a construir mundos con lo que tiene una mano.

GatoRelato/Escena

Es una compañía independiente de Teatro danza y productora de contenido artístico fundada en 2015 por Nadinka Flores y Pedro S. Montoya. Nace en Ciudad de México y hoy trabajo desde Quito, Ecuador. A lo largo del camino, su lenguaje se fue tejiendo entre distintos territorios y colaboraciones, hasta consolidar una forma de creación donde el cuerpo, la palabra y la imagen conviven como una misma materia viva. Su práctica se enraíza en una poética del cuerpo influida por el Tanztheater y el Physical Theatre, donde la acción física se convierte en signo. Cada obra surge de la tensión entre la vida cotidiana y la imaginación, dando lugar a un teatro de cuerpos que piensan, recuerdan y deliran. Para el grupo, el arte es una forma de revelación que abre grietas de sentido en la existencia, en diálogo con la filosofía de autores que nutren nuestra perspectiva teórica como Heidegger, Bachelard y Bremound. En estos años han creado más de diez piezas escénicas y audiovisuales presentadas en festivales y espacios de Ecuador, España, México y Paraguay. También han desarrollado videodanzas como “Spines” y “La voz de octubre”, reconocidas por su exploración poética del cuerpo en cámara. Trabaja desde un pequeño laboratorio de creación llamado El Gato Sinfín, donde se encuentran intérpretes, diseñadores, músicos y pensadores que comparten una misma curiosidad por el arte vivo. Cada proyecto nace del juego y el tiempo compartido.

Ficha Artística

Protagonizado por: Edison Galván (como el astronauta solitario) y Omar Bonilla (como Harvey, el conejo García)
Escrita y dirigida por: Nadinka Flores y Pedro S. Montoya
Bandas sonoras originales: Mario Porras
Obra de teatro danza que explora lo humano a través de un viaje entre sueños y realidades.

Teatro Variedades

19h00

Una historia real atraviesa la escena y se convierte en teatro. Tebas Land nace de una investigación artística con una Persona Privada de Libertad y reconstruye los encuentros entre un dramaturgo y un joven condenado por el asesinato de su padre.

En este juego entre realidad y ficción, la obra no solo relata: expone su propio proceso creativo y enfrenta al espectador con los dilemas éticos de representar una historia marcada por la violencia. Aquí, el teatro se vuelve espejo incómodo, donde la paternidad, la culpa y la mirada social se tensionan hasta el límite.

Más que una obra, Tebas Land es una experiencia intensa que te invita a ser testigo, a cuestionar lo que crees saber y a mirar de frente aquello que muchas veces preferimos evitar.

Ficha técnica

Tebas Land, proyecto ganador de una de las líneas del IFAIC 2025, se inserta en este escenario con una propuesta escénica que tensiona los límites entre realidad y ficción.

Bajo la dirección de Ivannia Michelena y con las actuaciones de Diego Cerda y Carlos Páez Santi, la obra adapta el texto del reconocido dramaturgo franco-uruguayo Sergio Blanco a un lenguaje que desdibuja las fronteras entre autor, actor y personaje, bajo el género de la autoficción

Teatro Nacional Sucre

Sábado, 23 de mayo | 17h00

Preventa: $7 hasta el 3 de mayo

General: $12 desde el 4 de mayo

https://tickets.teatrosucre.com/ev/tebas-land o en boletería del teatro

.Algunas localidades del Teatro Nacional Sucre requieren el uso de gradas para su acceso.
Por favor, considere lo siguiente para su movilización:

PLATEA: 12 gradas
2DA DE PALCOS: 15 gradas
LUNETA: 27 gradas
TERRAZA TNS: 24 gradas

Casa Toledo presenta “El viejo, el tiempo, el niño y el viento

Con la actuación de María del Mar Espinosa y Alfredo Espinosa

Dos indigentes, un anciano y un niño, habitan un bosque urbano de Quito. Allí encuentran comida, refugio, libertad, y el tiempo, su más preciada compañía. Pero un día se encuentran y deben enfrentar los territorios de su humanidad, su humor, su resiliencia, su palabra y su hambre, que son lo único que nadie podrá quitarles.

Jueves 21 de mayo
19h00 ( 7:00 PM)
Teatro Casa Toledo “El Ático”

Valor: $12

Compra en línea en: www.casatoledo.com.ec

Casa Toledo: Toledo N24-678 y Coruña (La Floresta)

El sol fue cooptado, las acllas y su guardia permanecen con el único horizonte de engendrar al hijo del sol. El cadáver negro del sol es un ritual escénico contemporáneo construido sobre crónicas coloniales, archivo moderno, especulación post-solar, deseo y rito.

Dos ciclos solares de duración, diez bailarinas en escena con data astronómica en tiempo real modulando sonido y luz en vivo, un universo sensorial denso y erótico que no separa la devoción del deseo.

Tardigradx bicephalus es el colectivo formado por Denise Neira Vieira y Gabriel Barreto Acosta. Se conocen hace más de veinte años y llevan una década de proyectos conjuntos sostenidos.  Su formación transdisciplinar —arquitectura, diseño industrial, composición electroacústica, performance, investigación artística— es su condición de origen transversal a su práctica artística y pedagógica.

Entre sus proyectos más representativos están Transistores (2022), fondos IFCI 2021, presentada en el Festival Fiesta Escénica del Teatro Nacional Sucre y otros varios festivales; CLIMA (2024–2025), ganadora de la residencia de creación de la Fiesta Escénica 2024, FIAVL 2025, Sala Mitómana 2026 con publicaciones académicas en la Revista Post(s) y en los Anales del Simpósio LUME de la Universidad Estatal de Campinas, Brasil; Desmontaje de una fiesta centenaria (2024), proyecto editorial comisionado por la Cinemateca Nacional del Ecuador; y su participación como equipo educativo del proyecto HILA de la Fundación Museos de la Ciudad (2024).

 Obra ganadora de la Línea de Fomento de producción de artes escénicas IFAIC 2025.

Ficha técnica

Dirección general y dramaturgia: Denise Neira Vieira

Dirección coreográfica : Vladimir Montenegro Guachamín

Dirección artística : Daniel Mena González

Composición y dirección musical : Gabriel Barreto Acosta y Daniel Mena González

Diseño de escenografía y dispositivos: Borys Aguirre y Daniel Mena González

Diseño de vestuario: Lolo Villacís

Diseño de iluminación y visuales : Daniel Mena González

Elenco Acllas

Clara Francisca, Evelyn Guachi, Katherine Lozano, Tani Revelo Flor y Darashea Toala

Elenco Guardia Solar

Ámbar Bastidas, Marina Chiriboga, Saya Lincango, Tamia Loya y Micaela Malta.

Coach vocal: Anahí Chicaiza

Producción ejecutiva : Gabriela Piñeiros

Producción de campo: Anahí Mora

Asistente de producción : Juan Recalde

Diseño gráfico : Kevin Morales

Comunicación : Maria José Pavón Juan Francisco Córdova

Algunas localidades del Teatro Nacional Sucre requieren el uso de gradas para su acceso.

Por favor, considere lo siguiente para su movilización:

PLATEA: 12 gradas
2DA DE PALCOS: 15 gradas
LUNETA: 27 gradas
TERRAZA TNS: 24 gradas

El mundo está devastado por un cataclismo climático provocado por el acelerado proceso de extractivismo industrial, lo que ha degenerado un nuevo sistema de hipervigilancia y control. En este entorno hostil Lorna llega a uno de los bloques periféricos, el 901, con una misión, llegar al afuera, guiada secretamente por un ente misterioso arrastrará a sus compañeras Xuxi y la sabia a un escape desesperado por encontrar la esperanza de un nuevo mundo y la posibilidad de reconocerse como comunidad. Algo sigue su curso es un drama post- apocalíptica que aborda temas como la supervivencia, la memoria, y la voluntad de sostener la vida en un contexto donde la humanidad se ha convertido en la misma máquina que lo consume.

Ficha técnica

Una producción de Proyecto Pendiente

Dirección: Iñaki Moreno
Dramaturgia: Salomé Velasco
Producción general: Nadyezhda Loza Moreira
Actuación: Elizabeth ValeriaALGO SIGUE SU CIRSO , Salomé Velasco, Nadyezhda Loza Moreira
Asesoría dramatúrgica: Fulgencio M. Lax
Diseño sonoro: Gabriel Barreto Acosta
Vestuario: Juana Arias
Escenografía: Diego Jácome
Maquillaje: Bernarda Salas
Diseño de iluminación: Gerson Guerra
Técnico de iluminación: Felipe Sánchez
Comunicación: Eduardo Vaca
Coordinación audiovisual y edición: Emily Abril
Registro visual: Michael Carchipulla 
Diseño gráfico: Andrés Jaramo

En un mundo postapocalíptico, tres mujeres resisten vigilancia, encierro y pérdida totalitario hoy.

INÉDITO regresa como un espacio para pensar la danza más allá del movimiento: como lenguaje, como discurso y como una forma de habitar el mundo. Esta edición propone reflexionar sobre el lugar de la danza ecuatoriana, sus inquietudes y la necesidad de nombrarla desde su propia voz. Una invitación a reconocerla como un acto de pensamiento, identidad y presencia, con una forma única de decir y de hacer.

El Teatro Variedades Ernesto Albán será el escenario donde seis propuestas coreográficas en formato corto tomarán vida, como resultado del proceso creativo del Festival Inédito. Cada obra abre una ventana a distintas miradas, sensibilidades y cuestionamientos sobre el cuerpo y su relación con el entorno.

En escena

Ronal Medina Orobio con Silencio a voces
Colectivo Cuerpo a Cuerpos con Inventario de emociones
Nayla Peñaherrera con Abrázame un rato
Damaris Coque con El abuso de poder
Emily Pozo y Jhon Tigse con El día que el cuerpo cuestionó
Arianna Hidalgo Rodas con Sepia

Una noche para descubrir cómo la danza ecuatoriana se piensa, se nombra y se proyecta hacia el mundo.

INÉDITO presenta seis obras que exploran la danza ecuatoriana como identidad y pensamiento.

Después de su compra no se aceptan compras y/o devoluciones.

Después de su compra no se aceptan cambios y/o devoluciones.

Sinopsis

Una mujer está al borde. Rita se alza sobre un puente al final de una avenida infinita, suspendida entre el salto y la palabra. Nadie entiende lo que dice. Nadie parece realmente escuchar. Mientras tanto, Rosso pedalea hacia ella con una intención incierta: ¿rescatarla o traducirla?

Desde ese punto de quiebre, seis mujeres atraviesan la escena como ecos de un país que se desvanece. “Avenida-Puente” es un retrato fragmentado de una realidad donde la indiferencia se vuelve norma y la violencia se instala en silencio.

En medio de la neblina, el puente deja de ser solo un lugar: es símbolo. ¿Huida o regreso? ¿Caída o vuelo?

Una obra intensa, cruda e irónica. Un estallido emocional que se ríe en el vacío mientras todo parece desmoronarse.

Ficha técnica

• Dirección y puesta en escena: María Elena López

• Autor: Roberto Sánchez Cazar

• Actuación: Irene Villacrés, Jessica Barros, María Elena López y Roberto Sánchez

• Escenografía y vestuario: María Elena López

• Iluminación: Roberto Sánchez

• Video y sonido: Jessica Barros

Una producción del Teatro Ojo de Agua

Rita desafía el vacío en un puente mientras un país se desvanece entre indiferencia y violencia.

El concierto Barock_Plus: En Amistad propone un recorrido musical por las redes de influencia, amistad e intercambio artístico que marcaron el esplendor del Barroco. A través de obras de algunos de sus compositores más representativos, este programa revela cómo la curiosidad, el diálogo creativo y las conexiones personales dieron forma a un legado musical que sigue vigente hasta hoy.

Las innumerables relaciones entre compositores nacidos en la década de 1680 reflejan una época de apertura y profunda interacción cultural. Johann Sebastian Bach mantuvo una amistad duradera con Georg Philipp Telemann, quien además fue consejero cercano de la familia Bach y padrino de Carl Philipp Emanuel Bach. Por su parte, Telemann compartía con Georg Friedrich Händel intereses que iban más allá de la música, como la filosofía y la jardinería. Händel conoció en Roma a Arcangelo Corelli, maestro de Francesco Geminiani, con quien volvería a encontrarse años después en Londres. Estos cruces de caminos, admiraciones mutuas y aprendizajes compartidos fueron fundamentales en la construcción del lenguaje musical barroco.

El programa reúne obras que ilustran estas conexiones, desde la grandeza orquestal hasta la intimidad de la música de cámara.

Repertorio

1. Georg Friedrich Händel (1685–1759)
   Música Acuática
   Ouvertüre – Bourrée – Air – Menuett – Air – Country Dances

2. Georg Philipp Telemann (1681–1767)
   Sonata en trío en Fa mayor, TWV 42:F7
   Affettuoso – Allegro – Adagio – Vivace

3. Johann Sebastian Bach (1685–1750)
   Suite para violonchelo solo N° 1 en Sol mayor, BWV 1007
   Prelude

4. Carl Philipp Emanuel Bach (1714–1788)
   Sonata en trío en Do mayor, H. 573
   Allegro di molto – Andante

5. Georg Philipp Telemann (1681–1767)
   Ouverture en Mi bemol mayor, TWV 55:4
   Aria

6. Georg Friedrich Händel (1685–1759)
   Sonata en trío en Si menor, HWV 386 op. 2 N° 1
   Andante – Allegro – Largo – Allegro

7. Francesco Geminiani (1687–1762)
   Sonata en trío en Re mayor “Bush aboon Traquair”
   Andante – Allegro

8. Arcangelo Corelli (1653–1713)
   Sonata en trío en Si mayor, op. 4 N° 9
   Preludio: Largo – Corrante: Allegro/Grave – Tempo di Gavotta: Allegro

9. Antonio Vivaldi (1678–1741)
   La Folia

Viaje musical por amistades barrocas que forjaron un legado de diálogo e influencia compartido hoy!

Algunas localidades del Teatro Nacional Sucre requieren el uso de gradas para su acceso.

Por favor, considere lo siguiente para su movilización:

PLATEA: 12 gradas
2DA DE PALCOS: 15 gradas
LUNETA: 27 gradas
TERRAZA TNS: 24 gradas

Un Acto de Fe es una creación colectiva que nace de la improvisación escénica como motor de la dramaturgia y del sentido. A partir de este proceso, los intérpretes exploran experiencias íntimas y urgentes —la maternidad, la pérdida, el cansancio, la frustración, el gozo, la violencia, la memoria y la crisis nacional— que se transforman en materia viva para la escena.

Las improvisaciones dialogan con provocaciones concretas, entre ellas la primera escena de Esperando a Godot de Samuel Beckett, texto que funciona como detonante conceptual, escénico y afectivo. Desde la imposibilidad de ensayar esta obra, se despliega un mosaico de escenas fragmentadas, honestas y viscerales, donde la frontera entre ficción y realidad se vuelve porosa.

La puesta en escena propone una reflexión sobre el acto de crear en tiempos de crisis, cuando el mundo parece desmoronarse y hacer teatro se convierte, justamente, en un acto de fe.

Esta obra fue seleccionada dentro de la convocatoria pública de Coproducciones de la Fundación Teatro Nacional Sucre. Más información aquí.

Creación colectiva que, desde la improvisación, reflexiona sobre el teatro, la crisis y la fe.

Algunas localidades del Teatro Nacional Sucre requieren el uso de gradas para su acceso.
Por favor, considere lo siguiente para su movilización:

PLATEA: 12 gradas
2DA DE PALCOS: 15 gradas
LUNETA: 27 gradas
TERRAZA TNS: 24 gradas

El ingreso es libre, pero deberás descargar tu boleto para asegurar tu asiento.

Con el objetivo de fortalecer los procesos de formación musical de jóvenes instrumentistas de viento y percusión, se presenta la Primera Edición de la Banda Sinfónica Juvenil. Esta iniciativa propone un espacio de encuentro, aprendizaje y experiencia artística que reunirá a músicos provenientes de distintas ciudades del país.

El proyecto se desarrollará a lo largo de una semana de trabajo intensivo en formato de banda sinfónica, durante la cual los participantes potenciarán su experiencia interpretativa a través de ensayos generales, talleres y actividades formativas guiadas por profesionales.

Esta edición contará con la participación del maestro invitado Paulo Martins (Portugal), quien asumirá la dirección musical de la Banda Sinfónica Juvenil durante todo el proceso.

Como cierre, los jóvenes músicos ofrecerán un concierto especial en el Teatro Nacional Sucre, donde compartirán escenario con la Banda Sinfónica Metropolitana de Quito. Esta presentación les permitirá desenvolverse en un entorno artístico profesional, en uno de los espacios culturales más emblemáticos del país.

La iniciativa aspira a consolidarse como un encuentro anual, impulsando el desarrollo artístico de jóvenes instrumentistas y fortaleciendo la formación de nuevas generaciones de músicos.

El programa de este concierto ha sido concebido como una experiencia que articula repertorio representativo para banda sinfónica con obras de gran riqueza musical y expresiva. Incluye composiciones de destacados autores contemporáneos como David Maslanka, Jeff Tyzik y Oscar Navarro, junto con la incorporación de obras ecuatorianas que ponen en valor la identidad y el aporte de la creación musical nacional.

Programa:

• Obras para Banda Sinfónica Juvenil (BSJ)

  • Illumination — David Maslanka (1943–2017)

  • Three Latin Dances — Jeff Tyzik (1951– )

  • El Olimpo de los Dioses — Óscar Navarro (1981– )

  • Raymi — Enrique Sánchez (1957– )

  Obras para Banda Sinfónica Metropolitana de Quito (BSMQ)

  • Abram’s Pursuit — David Holsinger (1945– )

  • Aurora Awakes — John Mackey (1973– )

  • Jardín de Heras — José Suñer (1964– )

  Obras conjuntas (BSMQ – BSJ)

  • Manglar — Marcelo Beltrán (1965– )

A este repertorio se sumarán dos obras nacionales por confirmar. 

Sobre Paulo Martins (Portugal)

Inició sus estudios en el Conservatorio Superior de Música de Oporto, donde se formó en saxofón bajo la guía del profesor Francisco Ferreira, obteniendo las más altas calificaciones. Posteriormente, se graduó en fagot en la Escola Superior de Música e Artes do Espetáculo (ESMAE), en la clase de Hugues Kesteman, siendo distinguido con el Premio de la Fundación Ing. António de Almeida.

Continuó su perfeccionamiento en la Hochschule für Musik Karlsruhe (Alemania), donde obtuvo el diploma de solista y la maestría en interpretación bajo la tutela del profesor Gunter Pfitzenmaier, en ambos casos con la máxima distinción.

En el ámbito de la dirección, realizó una maestría en el Conservatorio de Maastricht (Países Bajos) bajo la guía del maestro Jan Cober. Complementó su formación mediante clases magistrales con reconocidos directores internacionales como Eugene Corporon, Jorma Panula y Ernest Schelle.

La Banda Sinfónica Juvenil reúne jóvenes músicos del país con Paulo Martins como director invitado desde Portugal.

Es un relato íntimo y poético que entrelaza memoria, territorio y desamor. A través de María, una enfermera, se reconstruye la historia de Leonor, una anciana bajo su cuidado.

Un antiguo paraíso revive entre recuerdos y ausencias, donde pasado y presente dialogan para resistir al olvido.

Una obra de Valentina Pacheco

Canto en escena: Yolanda Albornoz

Dirección: José Minuchin

Producción: Michelle Echeverría

Coreografía: Nao Reyes

Manejo de objetos: Erick Lara E.

Luces: German Calvache

Afiche: Yolanda Albornoz

Miércoles 29 de abril

20:00

Entrada: $10

Compra en línea: www.casatoledo.com.ec

Casa Toledo (Toledo N24-678 y Coruña, Quito)

Una propuesta escénica que nos sumerge en un universo entre lo onírico y lo real, donde lo surreal y lo cotidiano se entrelazan para cuestionar nuestra relación con la tecnología.

A través de imágenes imaginarias y situaciones inquietantes, la obra nos confronta con una pregunta urgente:

¿hasta qué punto nos hemos desconectado del mundo tangible?

¿Es posible despertar de este sueño digital que habitamos?

Una experiencia que incomoda, interpela y abre fisuras en la percepción.

Entradas en el link en bio

#GusanosDeMetal #HombresDePapel #ColectivoInalámbricos #SalaMitómana2026 #escenacontemporánea

Una ponencia performativa de Pablo Zamorano y Javier Pardo que entrelaza cuerpo, performatividad, visualidad y mediumnidad evidencial para explorar la muerte y los vínculos que tejemos entre lo(s) vivo(s) y lo(s) muerto(s).

Un dispositivo escénico que se mueve entre lo visible y lo invisible, preguntándose por el ciclo vital, lo intangible y aquello que permanece más allá de la forma.

Desarrollado desde 2021, El Primer Tacto es un proyecto de investigación y creación interdisciplinar que habita el cruce entre intuición, contenido y experiencia.

Una invitación a acercarse a lo impermanente, a lo que no se puede nombrar del todo, pero insiste en aparecer.

Casa Mitómana

!9 de Abril 19h00

Entradas en el link en bio

#ElPrimerTacto #SalaMitómana2026 #PonenciaPerformativa #escenaexpandida

El Extraordinario y Tragicómico Juicio de Isidori: instrucciones para sentenciar un águila y salir trasquilado ✨

403 gallinas desaparecidas "UN GALLINICIDIO".
Un águila juvenil acusada.
Un juzgado vacío.
Y una madre dispuesta a todo… incluso a inventar la justicia.

Llega el espectáculo donde las leyes se tuercen, las pruebas hablan solas y la verdad cambia de máscara en cada respiro:
Una obra de teatro y títeres donde el absurdo dicta sentencia y nadie sale ileso del veredicto.
En el Teatro Patio de Comedias (18 de septiembre entre 9 de Octubre y Amazonas)
Domingos 5, 12 y 19 de abril de 2026
11:30 AM
ENTRADAS:
Taquilla general: $8
Preventa: $6
Tercera edad / discapacidad / estudiantes: $8
RESERVA TU ENTRADA: 0967927294 / 0998357146

⚠️ Advertencia: este juicio puede alterar su sentido de la lógica, su fe en la justicia… y su relación con las gallinas.